浅析艺术与科技的关系(组图)

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有必要先对“技术”做一个限定,海德格尔在《关于技术的追问》一书中写道:一方面,现代技术是“建立在作为一个精确科学的现代物理学基础上”;另一方面,“现代物理学作为实验性的科学,依赖于技术装置和仪器制造的进步”。书是1954年写的,笔者认为其中的“现代物理学”并非现在细分学科之后的现代物理学,可能是一种广义上的研究物理世界的学科概念。毋庸置疑的是,在这之前,西方国家的科技发展已经日新月异,机动式电视、雷达、数字式电子计算机、原子裂变等等都得到发明和应用,人们观看世界的方式发生改变。从那时起,现代技术现象以古老的技术从未使用过的方式,向自然发起挑战,并以接连不断的技术变革,重塑人类社会。艺术这个处在意识形态范畴的门类,在技术的引导下,正在走向一个快速变革、边界模糊不清的未来。

艺术与科技的渊源

也有必要对“艺术”做一个限定,这篇文章里探讨的“艺术”,并非一个广义意义上的艺术形式,而暂指艺术圈内的绘画、雕塑、装置、影像、行为艺术、新媒体类艺术、生物艺术。“科技艺术”的概念在西方世界是从20世纪70年代开始提出;在中国,2007年研究者张燕翔出版了《当代科技艺术》一书,以图书标题形式提出“科技艺术”这一概念。但为中国公众所知时,是2017年5月teamLab第一次在北京举办的大型个展“花舞森林与未来游乐园”时,这种利用数字技术模拟花草树木、飞鸟流水的沉浸式体验给观众留下了难以磨灭的印象,从此引发了各种效仿(不标上沉浸式,出门都不好意思说自己是个展览)。

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Modified Paradise- Dress 改造的天堂:衣裙   © Another Farm & Sputniko图片惠允:中央美术学院、奥地利林茨电子艺术节、设计互联

实际上,艺术的创作与科技的渊源由来已久。在欧洲文艺复兴时期,画家们通常用一种叫作“绘画暗箱”的绘图装置准确再现景物的比例和透视。早期的画家利用这种装置研究透视原理与比例关系,然后将之完善,后来称之为“透视学”。历史上重要的画家如达芬奇、伦勃朗等大师都利用“暗箱”作为绘画的工具和造型手段。“绘画暗箱”最初是一个暗室,用“小孔成像”的原理在墙上形成影像。16世纪,暗箱内安装了反射镜,把影像反射到箱子上面的玻璃板上的绘图纸。18世纪的绘画暗箱已经呈现出照相机的雏形。到了19世纪20年代,法国人达盖尔发明了最早的摄影术,在铜盘上成像,缺陷是无法复制;1850年,法国摄影师纳达尔改进了底片曝光的工艺,使摄影术走向成熟。在摄影发明之前的近半个世纪,以精细写实为主的新古典主义绘画在欧洲占统治地位,摄影的出现取代了绘画的一部分社会功能,使绘画不再成为一种必不可少的记录外部现实的手段。画家们开始转向对艺术本体论的研究,绘画回归纯粹性,开始建立艺术家的自我表达。

可以说每一次技术进步都会带来艺术上的变革,除了透视学和摄影术,矿物和油料提纯技术的发展,影响了北部欧洲明朗而富有层次的油画风格;机器生产的颜料和光学的研究成果,促成了外光写生和印象派的发展……但是这些艺术形式中,科技手段更多是为艺术的表现提供了基础性的支持。而到现在,计算机及网络技术的迅猛发展,为艺术的创意及表现提供了前所未有的空间,科技手段与艺术创意的融合直接催生了大量全新的形态艺术。 技术本身的壮大,使得它在艺术创作中的角色发生了变化——不再是处于底层的基础手段,而是成为艺术本身。“科技艺术”这种复合体成为附生于科学线性发展序列之外的一个副产品。

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1979年奥地利林茨电子艺术节海报

奥地利林茨电子艺术节

科技艺术作品本身是对当代科技的创新性的应用,涉及的学科包括数学、物理、化学、生物、信息技术、人工智能等。新媒体艺术是一种以光学媒介和电子媒介为基本语言的新艺术学科门类,它建立在数字技术的核心基础上,也称数码艺术。

新媒体艺术最初是来自艺术界的概念,指的是采用新媒体技术创作、以新媒体为介质的艺术形式,而新媒体本身其实是当代科技创造的产物。世界范围内,将新媒体艺术做得最为极致的是奥地利林茨电子艺术节(ARS ELECTRONICA),称其为科技艺术界的“麦加”并不为过,第一次呈现于1979年,是世界上历史最为悠久的新媒体艺术盛事,“40年前,也就是上世纪70年代末,电子艺术节正在构思并且实现的过程中,而数字革命的重要性已经浮现。最重要的时刻发生在1981年,电子艺术节诞生后的三年,IBM公司将其新型号命名为‘PC’(个人计算机)。由此开始了一个新的阶段,也可能是数字时代最重要的时刻:计算机的个人化,使计算机脱离了大型机的数据中心和研究实验室,进入了日常生活”。

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1980年奥地利林茨电子艺术节海报

ARS ELECTRONICA这个体系逐步完善,目前有电子艺术节、电子艺术大奖、电子艺术中心、电子艺术未来实验室四个部分。央美实验艺术学院院长邱志杰说:“虽然叫‘电子’,但什么都往里装,AI也可以,音乐也可以,计算机动画、生物艺术,还有传统的录像艺术,它反倒成了世界上历史最久的。其他很多电子的什么节都消失了。”

艺术节每年9月初举行,成为全球范围内每年的盛事,设有不同的主题展,规模宏大,吸引数千位艺术家、科学家、学者前来,几天时间会有五六百场讲座、工作坊、音乐会举行。只有5天时间,会达到15万观众,2019年9月的林茨电子艺术节成立40周年,便以“出箱——数字革命的中年危机”为主题拉开帷幕,并在11月联合中央美术学院、设计互联在深圳海上世界文化艺术中心做了40周年回顾展“科技艺术40年——从林茨到深圳”。

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2019年奥地利林茨电子艺术节海报

笔者并未去过林茨电子艺术节,因而以下所有关于林茨电子艺术节的叙述均来自央美美术馆科技艺术研究员魏颖的文章部分节选《数字革命的中年危机》,但无力支付稿费:主题展每年提出新话题,2019年的主题是《人类极限-有限的人类》,探讨人之为人的优势、缺陷和极限,并着眼于其与非人——诸如动植物以及机器之间的融合。俄罗斯艺术家Helena Nikonole的作品《鸟语》探索了人工智能作为一个工具破解其他物种语言的可能性,艺术家让AI学习夜莺的啼声,并发展出一套与鸟类对话的机制。日本艺术家So Kanno的作品《激光老鼠》模仿动物世界中的蜂群效应,通过六十个小型机器人的交流合作,来完成绚烂的光之舞曲;来自日本的组合Another Farm通过《改造的天堂:衣裙》展示了转基因蚕丝如何颠覆人们对于传统服饰的想象,并进入多重视角的材质学领域。这个作品同样也在深圳设计互联的回顾展上展出。

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Wind of Shenzhen 深圳的风   © Refik Anadol图片惠允:中央美术学院、奥地利林茨电子艺术节、设计互联

在深圳设计互联的展览中,《深圳的风》是艺术家拉菲克・安纳度工作室为展览创作的数据绘画。他们收集了深圳区域一年的风速、风向、温度等数据,利用定制软件,以20秒的时间间隔,读取、分析这些数据,形成了四个动态篇章。

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Progress 行进   © Akinori Goto (JP) 后藤映则   图片惠允:中央美术学院、奥地利林茨电子艺术节、设计互联

日本艺术家后藤映则作品《行进》中,通过3D打印与灯光,在快速转动的三维结构上捕捉连续的时间,由此探索时间与运动之间的关系;《行走的城市》影响中的3D城市人形雕塑在荧幕上不断行走、变化、重塑,反映了现代建筑史上曾经出现过的关键美学趋势;《多重宇宙.pan》通过创建一系列实时生成的数字绘画,来尝试描绘无限平衡宇宙的永生;《脑机接口》采用反射微蚀技术,观众从蚀刻画左侧向右侧移动时,神经元的突触会形成类似恐惧面孔的形象,象征人类对机器未来的恐惧。


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